Qu'est-ce qui rend Carmina Burana si puissante ? Le chef d'orchestre nous l'explique

Pas besoin de connaître le titre pour reconnaître la musique. Ce chœur tonitruant, ces coups de timbales retentissants, ces voix qui s'élèvent jusqu'à un point culminant qui donne des frissons — « O Fortuna » est l'ouverture la plus emblématique de la musique classique. Et pourtant, Carmina Burana dans son ensemble est bien plus que ce simple extrait qui a fait son apparition dans des centaines de superproductions cinématographiques et de galas sportifs.

Music Hall présentera la magistrale œuvre de Carl Orff le 12 avril (Capitole de Gand), le 3 mai (Stadsschouwburg d'Anvers) et le 17 mai (Bozar à Bruxelles). Nous avons discuté avec le chef d'orchestre Paul Dinneweth de ce qui rend cette œuvre si particulière, de la manière dont on prépare un chœur et un orchestre à une partition aussi monumentale, et de ce qui attend le public.

« Tout le monde connaît ces premières mesures — mais quelqu'un sait-il vraiment ce qu'est Carmina Burana ? »

Comment expliqueriez-vous Carmina Burana à quelqu'un qui n'a jamais vu cette œuvre ?
« Carmina Burana, littéralement « Chants de Beuern », s'inspire de poèmes médiévaux que Carl Orff a découverts en 1936 dans la bibliothèque d'un monastère bavarois. Ces textes, écrits en latin, en moyen haut-allemand et en ancien français, traitent des caprices du destin, de la beauté de la nature, de l’ivresse, du coup de foudre et de la fugacité de la vie. Orff a composé une cantate qui résume en une seule soirée tout ce qui rend l’expérience humaine haute en couleur et tumultueuse. »

« L'œuvre s'ouvre sur O Fortuna — une invocation de la déesse de la fortune qui donne tout et prend tout. Cette scène d'ouverture est à la fois une fin et un commencement : la partition est cyclique. À la fin, on revient exactement à la même musique, exactement au même texte. La fortune tourne, et la roue ne s'arrête pour personne. C'est là le cœur philosophique de la pièce : nous sommes tous à la merci de la Fortune. »

« La musique est à la fois ancienne et résolument moderne »

Qu'est-ce qui distingue Carmina Burana des autres grandes œuvres chorales ?
« Orff rejetait toute la charge romantique que ses contemporains cultivaient encore. Ses harmonies sont brutes et élémentaires, ses rythmes répétitifs et hypnotiques — presque tribaux. Cette approche était radicale en 1937. Mais elle rend aussi la musique intemporelle : elle ne semble appartenir à aucune époque en particulier, et transcende ainsi toutes les modes. »

« Comparée à une cantate de Bach ou au Requiem de Brahms, la structure de Carmina Burana est également différente. Il n’y a pas de récit continu, ni de conflit dramatique au sens traditionnel du terme. Il s’agit plutôt d’instantanés — de tableaux représentant les émotions humaines. Cela rend l’œuvre accessible même à ceux qui s’intéressent rarement à la musique classique : nul besoin d’avoir une culture musicale pour se laisser emporter par elle. »

« Les répétitions sont une sorte de cheminement vers l'extase collective »

Comment préparez-vous un orchestre et un chœur pour « Carmina Burana » ?
« Les exigences techniques sont énormes. Il faut un grand orchestre symphonique, une soprano, un ténor et un baryton, un chœur complet et un chœur d’enfants. Ces groupes doivent travailler en parfaite harmonie. Une entrée ratée dans O Fortuna — le risque est faible, mais bien réel avec un tel effectif — et la magie s’évanouit d’un seul coup. »

« À l'approche de la première, nous répétons séparément avec chaque groupe. Les choristes apprennent d'abord leurs parties sans orchestre. Ensuite, nous ajoutons les solistes. Puis l'orchestre. Et ce n'est qu'à la répétition générale — qui est toujours un moment un peu magique — que l'on entend pour la première fois l'ensemble complet. C'est comme si plusieurs rivières se jetaient dans un seul et même grand fleuve. »

« Carmina Burana est une œuvre d'une grande précision rythmique. Le tempo doit être rigoureux, sinon les accents s'estompent et on perd l'élan qui rend cette pièce si exaltante. En même temps, il faut laisser place à la nuance : les passages calmes et intimes sont tout aussi puissants que les moments de fortissimo. »

« En concert, Carmina Burana est une expérience physique »

En quoi un concert en direct diffère-t-il d'un enregistrement ?
« Tous les enregistrements de Carmina Burana sont excellents — il en existe de fantastiques interprétations. Mais un enregistrement vous fait découvrir la musique par le biais de haut-parleurs. En direct, c'est la musique qui vient à vous. »

« Lorsqu’une chorale de plus d’une centaine de chanteurs entonne O Fortuna dans une salle comme le Bozar ou le Capitole, on sent la pression atmosphérique changer. Les cordes graves et les timbales résonnent dans la poitrine. Ce n’est pas une métaphore, c’est de la physiologie. L'acoustique d'une grande salle de concert ne se contente pas d'amplifier le son, elle vous en enveloppe. C'est quelque chose qu'aucun casque audio ne pourra jamais vous offrir. »

« À cela s'ajoute la dimension théâtrale de la représentation en direct : la concentration qui se lit sur le visage de la soprano pendant son aria, la précision avec laquelle le chef d'orchestre dirige le timbalier, la tension collective de centaines de chanteurs qui retiennent leur souffle au même moment avant d'entamer un passage. Tout cela fait de chaque représentation un événement unique, y compris pour les musiciens eux-mêmes. »

Bolero, le partenaire idéal

Le programme comprend également le Boléro de Ravel. En quoi ces deux œuvres se complètent-elles ?
« À première vue, le Boléro et Carmina Burana se ressemblent : ces deux œuvres sont axées sur la répétition, elles s’intensifient jusqu’à un point culminant saisissant, et elles sont toutes deux très accessibles au grand public. Mais elles se complètent aussi mutuellement. »

« Le Boléro est un crescendo ininterrompu — un motif de danse espagnole qui se répète pendant quinze minutes, gagnant sans cesse en intensité et en ampleur, jusqu’à l’explosion. C’est hypnotique et rigoureux. Carmina Burana, en revanche, respire, bouge, change de caractère. Après le Boléro, vous offrez au public une dimension émotionnelle totalement différente : non pas la linéarité tendue de Ravel, mais la polyvalence explosive d’Orff. Les deux œuvres se renforcent mutuellement. »

« Et d'un point de vue pratique : le Boléro ouvre la soirée avec un morceau qui captive immédiatement. Après le Boléro en ouverture, le public est déjà en effervescence. Ensuite, on enchaîne avec Carmina Burana — et là, on sait que ce sera inoubliable. »

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