Pourquoi Carmina Burana est-il si puissant ? Le chef d’orchestre nous explique

Nul besoin de connaître le titre pour reconnaître la musique. Ce chœur tonitruant, ces coups de timbales, ces voix qui s’élèvent jusqu’à vous donner des frissons : O Fortuna est l’une des ouvertures les plus célèbres de la musique classique. Et pourtant, Carmina Burana est bien plus que cet extrait entendu dans tant de films à grand spectacle et d’événements sportifs.

Music Hall présente l’œuvre magistrale de Carl Orff le 12 avril au Capitole de Gand, le 3 mai au Stadsschouwburg d’Anvers et le 17 mai à Bozar, Bruxelles. Nous avons parlé avec le chef Paul Dinneweth de ce qui rend cette œuvre unique, de la préparation d’un chœur et d’un orchestre pour une partition aussi monumentale et de ce qui attend le public.

« Tout le monde connaît les premières mesures, mais sait-on vraiment ce qu’est Carmina Burana ? »

Comment décririez-vous Carmina Burana à quelqu’un qui ne l’a jamais vu ?
« Carmina Burana signifie littéralement “Chants de Beuern”. L’œuvre s’appuie sur des poèmes médiévaux que Carl Orff découvrit en 1936 dans la bibliothèque d’un monastère bavarois. Écrits en latin, en moyen haut allemand et en ancien français, ces textes parlent des caprices du destin, de la beauté de la nature, de l’ivresse, de l’amour et du caractère éphémère de la vie. Orff en a tiré une cantate qui rassemble en une seule soirée toute la richesse et la fougue de l’expérience humaine. »

« L’œuvre s’ouvre sur O Fortuna, une invocation à la déesse du destin qui donne et reprend tout. Cette première scène est à la fois une fin et un commencement : la partition est cyclique. À la fin, on revient exactement à la même musique et au même texte. Le destin tourne et la roue ne s’arrête pour personne. C’est aussi le cœur philosophique de l’œuvre : nous sommes tous à la merci de Fortuna. »

« Cette musique est ancienne et absolument moderne à la fois »

Qu’est-ce qui distingue Carmina Burana des autres grandes œuvres chorales ?
« Orff a rejeté toute la charge romantique que ses contemporains cultivaient encore. Ses harmonies sont brutes et élémentaires, ses rythmes répétitifs et hypnotiques, presque tribaux. Cette approche était radicale en 1937. Mais elle rend aussi sa musique intemporelle : elle ne semble appartenir à aucune époque précise et dépasse ainsi toutes les modes. »

« La structure de Carmina Burana diffère aussi de celle d’une cantate de Bach ou d’un Requiem de Brahms. Il n’y a pas de récit continu ni de conflit dramatique au sens traditionnel. Ce sont plutôt des instantanés, des tableaux d’émotions humaines. Cela rend aussi l’œuvre accessible à ceux qui écoutent rarement de la musique classique : aucune connaissance musicale n’est nécessaire pour se laisser emporter. »

« Les répétitions sont une montée vers une extase collective »

Comment préparez-vous l’orchestre et le chœur à Carmina Burana ?
« Les exigences techniques sont énormes. Il faut un grand orchestre symphonique, une soprano, un ténor, un baryton, un chœur complet et un chœur d’enfants. Tous ces groupes doivent travailler ensemble avec une extrême précision. Une entrée ratée dans O Fortuna — c’est peu probable, mais le risque existe avec un tel effectif — et la magie se dissipe d’un coup. »

« Avant la première, nous répétons séparément avec chaque groupe. Les choristes apprennent d’abord leurs parties sans orchestre. Puis nous ajoutons les solistes, ensuite l’orchestre. Ce n’est qu’à la répétition générale, toujours un moment un peu magique, que l’on entend pour la première fois l’ensemble complet. C’est comme si plusieurs rivières convergeaient en un seul grand fleuve. »

« Carmina Burana exige une grande précision rythmique. La pulsation doit être ferme, sinon les accents s’affaiblissent et l’on perd l’élan qui rend cette œuvre si galvanisante. En même temps, il faut laisser place à la nuance : les passages calmes et intimes sont aussi puissants que les moments fortissimo. »

« Sur scène, Carmina Burana est une expérience physique »

Qu’apporte une représentation en direct par rapport à un enregistrement ?
« Les enregistrements de Carmina Burana sont excellents ; il en existe des interprétations fantastiques. Mais un enregistrement vous transmet la musique par des haut-parleurs. Sur scène, c’est la musique qui vous saisit. »

« Quand un chœur de plus de cent chanteurs lance O Fortuna dans une salle comme Bozar ou le Capitole, vous sentez la pression de l’air changer. Les cordes graves et les timbales résonnent dans votre poitrine. Ce n’est pas une métaphore : c’est de la physiologie. L’acoustique d’une grande salle de concert n’amplifie pas seulement le son, elle vous en enveloppe. Aucun casque ne peut vous offrir cela. »

« Il y a aussi la théâtralité du direct : la concentration sur le visage de la soprano pendant son air, la précision visible avec laquelle le chef dirige le timbalier, la tension collective de centaines de chanteurs qui respirent ensemble avant une entrée. Tout cela fait de chaque représentation un événement unique, pour les musiciens aussi. »

Le Boléro, partenaire idéal

Le programme comprend aussi le Boléro de Ravel. Comment ces deux œuvres se complètent-elles ?
« Le Boléro et Carmina Burana semblent se ressembler en surface : tous deux reposent sur la répétition, construisent un climax saisissant et parlent à un large public. Mais ils se complètent aussi. »

« Le Boléro est un crescendo ininterrompu : un motif de danse espagnole qui se répète pendant quinze minutes, toujours plus intense et plus ample, jusqu’à l’explosion. C’est hypnotique et rigoureux. Carmina Burana, lui, respire, bouge et change de caractère. Après le Boléro, on offre au public une tout autre dimension émotionnelle : non plus la progression tendue et linéaire de Ravel, mais la diversité explosive d’Orff. Les deux œuvres se renforcent mutuellement. »

« Et sur le plan pratique, le Boléro ouvre la soirée avec une musique qui captive immédiatement. Après cette ouverture, le public est déjà conquis. On enchaîne avec Carmina Burana et l’on sait que ce sera inoubliable. »

Vivez-le sur scène

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